Editions Thames & Hudson Beaux Livres MONOGRAPHIES Josef Albers – Formulation : Articulation Texte de T. G. Rosenthal Volume relié, sous jaquette 32,5 x 24,5 cm 168 pages 135 illustrations, dont 127 en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-279-5 95 € « Une pure merveille. » Chercheur d'art « Remarquable par la qualité de ses reproductions. » Beaux-Arts Magazine Publié en 1972 sous forme de deux portfolios de sérigraphies en édition limitée, Formulation : Articulation, œuvre fondamentale du peintre abstrait Josef Albers, est présenté aujourd’hui pour la première fois dans un livre qui offre une occasion unique d’appréhender les idées et les méthodes de l’un des artistes et théoriciens de l’art les plus influents du XXe siècle. C’est à partir d’œuvres exécutées au cours de plus de quarante années de recherche et de création, réalisées dans diverses techniques – dessin, gravure sur bois, tableau en verre sablé, peinture à l’huile sur panneau, lithographie – qu’Albers a entrepris, à la fin de sa vie, cette exploration aussi rigoureuse que limpide portant sur la couleur et la forme. À ce titre, Formulation : Articulation peut être considéré comme la somme de toute une vie consacrée à la création. Albers a commencé à s’intéresser à l’abstraction, à la couleur et à la perception alors qu’il était encore étudiant, puis enseignant, au Bauhaus de Weimar en Allemagne. Après son exil aux États-Unis en 1933, ces questions occupent désormais une place centrale dans son œuvre. Par son art, mais également son enseignement au Black Mountain College puis à Yale, Albers a influencé plusieurs générations d’artistes, notamment Mark Rothko, Barnett Newman, Robert Rauschenberg et les représentants de l’Op Art. L’Interaction des couleurs, ouvrage déterminant qu’il publia en 1963, eut un impact considérable, transformant l’enseignement de l’art dans le monde entier. Dans les diverses séries de peintures réalisées tout au long de sa carrière, dont le célèbre Hommage au carré, Albers entraîne le spectateur dans une relation dynamique avec l’œuvre, lui montrant à quel point la couleur et la ligne peuvent être manipulées dans le but de produire des effets inattendus et trompeurs. « En science, écrit-il, un plus un est toujours égal à deux ; en art, ce peut être aussi égal à trois, voire plus. » Tous les aspects de la pensée d’Albers et de ses expériences sur les rapports chromatiques et géométriques se trouvent réunis et illustrés dans Formulation : Articulation. Les sérigraphies d’origine, admirablement reproduites ici, ont été soigneusement ordonnancées par l’artiste de manière à pouvoir être examinées sous l’angle de leurs interactions visuelles ou individuellement en tant qu’œuvres d’art à part entière. Elles sont accompagnées de commentaires rédigés par Albers lui-même et d’un texte du critique d’art T. G. Rosenthal qui resitue ce monument de l’art abstrait dans la vie et l’œuvre d’Albers. T. G. ROSENTHAL, docteur en histoire de l’art, diplômé de l’université de Cambridge, est l’auteur d’ouvrages sur Jack B. Yeats, Sidney Nolan et Paula Rego. Il a été critique d’art au Listener et au New Statesman et a publié de nombreux articles sur l’art dans des journaux et revues tels que The Independent on Sunday, The Spectator et Modern Painters. Egalement aux Editions Thames & Hudson: Bauhaus de Frank Whitford Collection L'Univers de l'art • 216 pages • ISBN-13 : 978-2-87811-000-5 • 14,95 € Balthus Stanislas Klossowski de Rola Volume broché, avec rabats 24,5 x 27,5 cm 160 pages 116 illustrations, dont 108 en couleurs ISBN : 978-2-87811-206-1 Prix : 28 € Le 18 février 2001 disparaissait Balthus, l’un des plus grands peintres du XXe siècle. Né Balthasar Klossowski de Rola à Paris en 1908, dans une famille aristocratique polonaise devenue allemande à la suite des partitions de la Pologne, il grandit au sein de milieux intellectuels et artistiques des plus raffinés entre Paris, Genève et Berlin. Etonnamment précoce, il développa très tôt une fascination à la fois pour l’Orient et pour les grands maîtres européens – influences qui transparaissent dans le calme émanant de ses peintures et dans leur étrange intemporalité. Mais l’érotisme et le mystère qui se dégagent de son œuvre trahissent une inspiration révolutionnaire qui lui est toute particulière. Balthus était un artiste d’une intégrité inébranlable. En marge de toutes les tendances à la mode, ses œuvres furent longtemps collectionnées exclusivement par un petit cercle de connaisseurs, dont Pablo Picasso. Il resta presque inconnu du grand public jusqu’en 1961, date à laquelle sa nomination, par André Malraux, à la direction de la Villa Médicis fit beaucoup de bruit. Devenu célèbre à partir du milieu des années quatre-vingt, il ne cessa de se défier de toute publicité, intimement persuadé qu’il était inutile que l’on connaisse les détails de sa vie privée pour regarder sa peinture. Ainsi, l’aura énigmatique de son œuvre entoure toujours le peintre, malgré le fait qu’au cours des dernières années de sa vie, il accepta de recevoir un grand nombre de journalistes et fut le sujet de plusieurs documentaires télévisés. Son fils aîné, Stanislas Klossowski de Rola, a écrit une nouvelle introduction à cette importante sélection d’œuvres de son père comprenant son tout dernier tableau inachevé, L’Attente, et la très controversée Leçon de guitare de 1934. Des photographies très rares du jeune Balthus dans son atelier et d’autres plus récentes prises par son ami Henri Cartier-Bresson complètent cet hommage à l’un des plus grands artistes de notre temps. STANISLAS KLOSSOWSKI DE ROLA est un éminent spécialiste de la tradition alchimique. Il a publié Le Jeu d’or – Figures hiéroglyphiques et emblèmes hermétiques dans la littérature du XVIIe siècle chez Thames & Hudson en 1997. Il est le fils aîné de Balthus. Lucian Freud Robert Hughes Volume broché, avec rabats 25 x 27,5 cm 136 pages 112 illustrations, dont 105 en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-211-5 29,95 € « Une occasion de découvrir la peinture réaliste de cet artiste dont les portraits incisifs au regard fixe et les nus suscitent des émotions dérangeantes. » Art Press « Une peinture solitaire, qui demande une observation solitaire. Il faut bien entrer en soi pour aller vers elle. » Connaissance des Arts Lucian Freud, petit-fils du fondateur de la psychanalyse, est considéré avec Francis Bacon et David Hockney comme l'un des plus grands peintres non seulement britanniques, mais mondiaux. Incisive, impitoyable, touchant parfois au cruel, sa peinture dégage pourtant une humanité rare. S'y conjuguent le goût «nordique» du rendu psychologique, du fouaillement des chairs, et une sensibilité extrême aux valeurs, aux richesse, aux sensualités de la matière picturale, aux nuances les plus subtiles de la couleur – souvent contenue dans une gamme sévère d'ocres et de gris rose. Qualifié par un critique d' «Ingres de l'existentialisme », Lucian Freud échappe résolument au naturalisme doctrinal, à la plate figuration pour atteindre à une intensité rare, qui donne à la plupart de ses portraits une aspect fascinant, presque hallucinatoire. Avec cet ouvrage superbement illustré qui rassemble, en une centaine de reproductions en couleurs, les œuvres de Lucian Freud les plus marquantes, le lecteur se trouve à même d'apprécier l'un des peintres majeurs de notre époque, et d'entrer enfin dans cette galerie de corps noueux, de personnages aux regards fixes et insistants, de modelés puissants, de pâtes épaisses et vibrantes dont la texture même semble épouser celle de la chair. ROBERT HUGUES, d'origine australienne, est né en 1938 et a été critique d'art à l'Observer, au Spectator et au Sunday Times. Il vit depuis 1970 à New York et tient la rubrique artistique du magazine Time. Auteur de nombreuses émissions de télévision, il s'est intéressé à Rubens, au Bernin et au Caravage, et on lui doit une célèbre série de huit émissions intitulée le Choc du nouveau. Egalement aux Editions Thames & Hudson: La Peinture réaliste au XXe siècle de Brendan Prendeville Collection L'Univers de l'art • 224 pages • ISBN-13 : 978-2-87811-192-1 • 14,95 € Lucian Freud – Scènes d'atelier Photographies de Bruce Bernard et David Dawson Volume broché, avec rabats 24 x 27 cm 256 pages plus de 130 photographies en couleurs ISBN : 978-2-87811-309-9 50 € « Un livre exceptionnel permettant de rentrer dans l’intimité du grand peintre. » Art actuel Lucian Freud est sans conteste le plus grand peintre figuratif de notre époque. Aujourd'hui âgé de 85 ans, il continue de travailler avec la même énergie et le même sens de la discpline qui le caractérisent depuis longtemps. Travailleur acharné, il n'est cependant pas l'ermite que la presse aime à décrire, bien qu'il soit connu pour être avare de son temps et choisir avec circonspection ceux à qui il l'accorde. Il n'existe, par ceonséquent, que peu d'entretiens et peu d'images de l'artiste, et c'est en cela que le présent ouvrage constitue un événement exceptionnel. Deux photographes ont eu l'immense privilège de côtoyer Freud dans l'intimité de son atelier. Bruce Bernard tout d'abord, ami de longue date qui le photographia régulièrement au cours de deux décennies, et notamment durant les années où Freud avait comme modèle l'artiste de performance Leigh Bowery. Puis, à la mort de Bruce Bernard en 2000, le propre assistant de Freud, David Dawson, fut autorisé à photographier la vie quotidienne de l'atelier. Ensemble, ces photographies composent la représentation la plus complète qui soit de l'artiste au travail, montrant l'évolution des toiles, les différents modèles et l'artiste lui-même dans un état d'intense concentration. Bien que Lucian Freud ait toujours été réticent à évoquer sa manière de travailler, il a, exceptionnellement, donné son accord pour qu'un entretien avec le jeune écrivain australien Sebastian Smee accompagne la publication des présentes photographies, afin de nourrir de quelques éléments de compréhension le regard que nous portons sur cet univers privé. Les commentaires de Lucian Freud et les photographies de Bruce Bernard et de David Dawson nous confrontent à l'extraordinaire intensité de l'acte de création, depuis la première marque posée par le peintre sur la toile vierge à l'œuvre achevée. En ce sens, ce livre est une révélation. Directeur artistique de plusieurs quotidiensd et magazines, BRUCE BERNARD a atteint une renommé internationale grâce au célèbre ouvrage Siècle, publié un an avant sa mort. Photographe passionné, ami fidèle de Freud, il est également connu pour ses photographies de Francis Bacon, Frank Auerbach, Michael Andrews et Euan Uglow. DAVID DAWSON est peintre. Il a été pendant plusieurs années l'assistant de Freud et occasionnellement son modèle. Lucian Freud sur papier Sebastian Smee et Richard Calvocoressi Volume relié, sous jaquette 29 x 28 cm 264 pages 173 illustrations en couleurs ISBN : 978-2-87811-324-2 68 € Évoquant récemment le début de sa carrière, Lucian Freud déclara : « Je pense que pour chacune de mes peintures je réalisais au moins 200 dessins à l'époque. » A la différence de Francis Bacon, le dessin a été fondamental dans la formation du regard de Freud et à son développement en tant qu'artiste. Dès le début, il occupa une part importante de sa vie. Son célèbre cahier de croquis, The Freud-Schuster Book, datant de janvier 1940 lorsque Freud était à Snowdonia avec Stephen Spender, a heureusement été conservé, tout comme ont survécu ses croquis réalisés à bord d'un vaisseau sur l'Atlantique en 1941 alors qu'il travaillait dans la marine marchande. Par la suite, il exécuta des illustrations et se fascina pour le dessin d'animaux, de poissons et d'oiseaux comme en attestent ses dessins au trait illustrant le recueil de poèmes de Nicholas Moore, The Glass Tower (1944). Le présent ouvrage retrace l'ensemble des œuvres sur papier, y compris les eaux-fortes, réalisées tout au long de la longue carrière de l'artiste. Sont montrés les toutes premières œuvres, les croquis préparatoires pour le célèbre tableau Large Interior W11 (after Watteau) (1983) et les dessins du tableau achevé dans l'atelier ainsi que les étonnantes études plus tardives qu'il fit de sa mère. L'ouvrage s'achève sur les eaux-fortes réalisées ces dernières années. Les œuvres sur papier de Lucian Freud forment un ensemble extraordinaire qui offre une vision en profondeur de l'œuvre du plus important artiste figuratif actuel. SEBASTIAN SMEE a écrit plusieurs textes consacrés à Freud. Son introduction aux peintures récentes de l'artiste a paru dans Lucian Freud 1996-2005 (Jonathan Cape, 2005) et son long entretien avec lui figure dans Lucian Freud – Scènes d'atelier publié aux Editions Thames & Hudson en 2007. Après avoir dirigé de nombreuses années la Scottish National Gallery of Modern Art, RICHARD CALVOCORESSI est aujourd'hui directeur de la Henry Moore Foundation. David Hockney : portraits de famille Marco Livingstone et Kay Heymer Volume relié, sous jaquette 24 x 30 cm 240 pages 246 illustrations, dont 233 en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-238-2 45 € « Superbe ouvrage. D'une touchante intimité, ces visages et ces corps fragiles, instants d'éternité, sont le reflet d'une vie consacrée à l'art et à l'amour. » Têtu « Si son style évolue continuellement, Hockney traverse les courants et les époques sans jamais se détourner de ce qui le fascine depuis le début : l'être humain et sa représentation. » L'Œil David Hockney est fasciné depuis toujours par la singularité des individus et par la façon dont ils ont été représentés tout au long de l’histoire de l’art. Il a pratiqué, modifié et souvent bouleversé l’art du portrait traditionnel, et en a fait l’un des éléments fondamentaux de sa recherche. Associant des portraits très célèbres à des œuvres qui n’ont jamais été publiées, cet ouvrage explore sur une période de plus de cinquante ans les multiples façons dont Hockney a représenté les gens qui l’entourent, qu’il s’agisse de personnalités telles que Andy Warhol, Christopher Isherwood et W. H. Auden ou d’amis de longue date comme Henry Geldzahler et Celia Birtwell. Les auteurs nous racontent l’histoire des relations de l’artiste avec sa famille, ses amis et ses amants et accompagnent leur récit d’images de toutes les périodes et de tous les styles du peintre, depuis les études souvent poignantes de ses parents et compagnons jusqu’aux récents doubles portraits réalisés à l’aquarelle. Passionnant et toujours touchant, David Hockney : portraits de famille est un témoignage exceptionnel sur la vie et les amours de l’un des artistes les plus connus du monde, et une occasion unique de contempler ces moments précieux où la vie et l’art se rejoignent. MARCO LIVINGSTONE est l'auteur de David Hockney publié dans la coillection l'Univers de l'art aux Editions Thames & Hudson, et de nombreux autres ouvrages consacrés à l'art et à la photographie. KEY HEYMER, conservateur et historien de l'art, fut commissaire de l'exposition « David Hockney: Exciting Times Are Ahead » présentée au Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, à Bonn, en 2001. Egalement aux Editions Thames & Hudson: David Hockney de Marco Livingstone Collection L'Univers de l'art • 252 pages • ISBN-13 : 978-2-87811-028-9 • 14,95 € « Ce remarquable essai présente une réussite insolente au regard de la critique : le modernisme communicatif de David Hockney » Le Figaro Littéraire Ma façon de voir de David Hockney 248 pages • ISBN-13 : 978-2-87811-170-5 • 29,95 € « Une très bonne entrée dans l'univers d'Hockney proposé par le maître lui-même. » Connaissance des Arts Rodin L'Éveil de la pierre Photographies de Jennifer Gough-Cooper Introduction de Geoff Dyer Volume relié, sous jaquette 22,5 x 25,5 cm 128 pages 73 photographies en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-281-8 28 € Considéré de son vivant comme le Michel-Ange des temps modernes, Auguste Rodin a su refléter les multiples facettes de la condition humaine. Il a défié la notion même de forme en considérant les détails comme des œuvres achevées. L’influence de chefs-d’œuvre tels que Le Penseur, Éternelle idole, Le Baiser ou Les Bourgeois de Calais demeure, presque cent ans après sa mort, d’une puissance indiscutable. C’est en visitant pour la première fois en 1996 l’Hôtel Biron à Paris que Jennifer Gough-Cooper, tombée sous le charme de l’endroit, décida d’entreprendre un travail photographique sur Rodin. Dans ce musée, château du XVIIIe siècle où l’artiste vécut et travailla, la sculpture est ici chez elle, parfaitement à sa place. L’architecture des lieux est grandiose et des flots de lumière pénétrent dans les salles à travers de vastes fenêtres, baignant les sculptures de couleurs délicates. Les photographies de Jennifer Gough-Cooper s’attardent sur les détails et font ressortir l’immense force érotique des sculptures de Rodin, révélant les sensuelles formes impressionnistes avec une merveilleuse qualité picturale. Dans une très belle introduction, l’écrivain anglais Geoff Dyer s’interroge sur la manière dont un médium à la photographie à qui se limite au visible et à la surface des choses peut révéler une dimension plus profonde, cachée dans les profondeurs de la pierre. « Gough-Cooper nous rappelle subtilement que le blanc est en soi une couleur qui se prête à des changements incessants de perspective et de lumière, écrit-il. À certains moments, il prend même la couleur de la chair. » Ce que nous montrent ici les photographies de Gough-Cooper n’est « rien moins que l’éveil de la pierre, la pierre révélée par l’appareil-photo ». GOEFF DYER est écrivain. Il a fait ses études à Oxford et a collaboré à des revues telles que City Limits et The Statesman. Il est l’auteur d’un essai important sur John Berger et a remporté le Somerset Maugham Prize en 1992. Deux de ses ouvrages ont été publiés en français : Jazz impro (1995) et La Couleur du souvenir (1996). JENNIFER GOUGH-COOPER a étudié au Hornsey College of Art dans les années 1960. Spécialiste de Marcel Duchamp, elle a participé à la grande rétrospective Duchamp qui constitua, en 1977, l’exposition inaugurale du Centre Pompidou à Paris, puis a fait de nombreuses recherches sur l’artiste avant de publier, À l’occasion de l’exposition du Palazzo Grassi à Venise en 1993, le livre Marcel Duchamp: Work and Life. Sean Scully David Carrier Volume relié, sous jaquette 25,6 x 30,3 cm 224 pages 205 illustrations, en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-240-5 50 € « Une introspection dans l'univers et l'œuvre de l'artiste. [...] L'intérêt passionné de l'auteur pour Scully aboutit à un dévoilement vivant et érudit. [...] Au final, ce dévoilement permet au lecteur, même étranger au travail de l'artiste, de s'attacher au personnage et de regarder l'œuvre d'un nouvel œil. » Beaux-Arts Magazine Première monographie à rendre compte de l’ensemble de la vie et de l’œuvre de Sean Scully, ce livre montre comment, à partir de sources d’influence telles que les rythmes urbains, la musique populaire afro-américaine, ses voyages au Maroc et au Mexique, le cinéma et la photographie, il a construit une œuvre très personnelle qui, tout en s’inscrivant dans l’histoire de l’abstraction, entretient des rapports ambigus avec le figuratif. Illustré de superbes reproductions en couleurs, cet ouvrage présente l’ensemble des techniques artistiques que le peintre a explorées au cours de sa carrière – huile sur toile, pastel, aquarelle, gravure, photographie –, offrant pour la première fois une vision générale de son œuvre. Eminent critique et historien d’art américain, David Carrier est un ami de longue date de Scully. A partir des nombreuses conversations qu’il a eues avec lui, il nous offre ici un point de vue privilégié sur ses méthodes de travail et sur les motivations profondes de son art. Complété par un entretien avec l’artiste, ce livre témoigne de l’audacieuse originalité de son style et permet de comprendre comment, à partir d’une forme simple et abstraite – la bande de couleur –, il réussit à créer des images d’une grande force émotionnelle. DAVID CARRIER est professeur à la Case Western Reserve University et au Cleveland Institute of Art. Il est l'auteur de nombreux ouvrages d'esthétique et d'art contemporain ainsi que de livres sur Poussin et sur Baudelaire. Sean Scully une rétrospective Danilo Eccher, Lorand Hegyi, Maria Lluïsa Borràs, Donald Kuspit Volume relié, sous jaquette 24 x 27 cm 160 pages 158 illustrations, dont 133 en couleurs ISBN : 978-2-87811-301-3 Prix : 50 € « Ouvrage indispensable. » Pariscope « Si l’on peut parler d’“avancée” dans le domaine de l’abstraction transcendantale […] alors la peinture de Sean Scully, à la fois gestuelle et géométrique, en représente incontestablement une. Sa peinture insuffle une nouvelle vie spirituelle et une subtilité inédite à l’abstraction transcendantale, montrant par là que celle-ci reste non seulement possible et viable, mais qu’elle est également nécessaire en cette époque où l’art est plongé dans les ténèbres spirituelles. » – Donald Kuspit Né en Irlande, Sean Scully est l’un des plus grands peintres abstraits contemporains. Depuis plus de trente ans, il produit sur des supports variés une œuvre fascinante, pleine de vitalité et constamment inventive, qui suscite l’intérêt des collectionneurs et fait l’objet d’expositions dans le monde entier. Déclinant des lignes ou des bandes de couleur évocatrices d’éléments architecturaux tels que murs, portails et fenêtres, son style très personnel est d’emblée identifiable. Publié à l’occasion d’une exposition majeure destinée à voyager à travers l’Europe, cet ouvrage présente une rétrospective complète de la carrière de Sean Scully jusqu’à ce jour, fondée sur une large sélection d’œuvres diverses – peintures, photographies, gravures, dessins et aquarelles. Les textes des éminents conservateurs que sont Danilo Eccher, Lorand Hegyi et Maria Lluïsa Borràs, ainsi que du célèbre historien et critique d’art américain Donald Kuspit, soulignent la nature spirituelle, émotionnelle et profondément humaine de la peinture de Scully et situent l’artiste à la place essentielle qui est la sienne dans la tradition de l’abstraction et dans l’histoire de la peinture en général. Publié en association avec la Fondation Joan Miró, Barcelone DANILO ECCHER dirige depuis 2001 le MACRO (Museo d’Arte Contem-poranea Roma). LORAND HEGYI, qui compte parmi les conservateurs et historiens d’art les plus reconnus en Europe, est le directeur du Musée d’art moderne de Saint-Etienne Métropole. MARIA LLUISA BORRAS est une conservatrice et historienne d’art de renommée internationale basée à Barcelone. DONALD KUSPIT, l’un des plus célèbres critiques d’art américains, occupe la chaire Art et philosophie à l’université de l’Etat de New York à Stony Brook. Les Vies de Dora Maar Bataille, Picasso et les surréalistes Mary Ann Caws Volume relié, sous jaquette 22 x 28 cm 224 pages 228 illustrations, dont 87 en couleurs ISBN-13 : 978-2-87811-185-9 50 € « Un très bel album. Le Monde « Le livre de Mary Ann Caws fera date. [...] L'auteur restitue à Dora Maar sa vie de femme et sa véritable personnalité [et] lui rend pour la première fois sa trajectoire de photographie et de peintre. » Le Figaro Plantant un couteau entre les doigts de sa main gantée, assise seule à une table des Deux Magots : c'est ainsi que Picasso vit Dora Maar pour la première fois. Altière, sensuelle, défiant toutes les conventions, Dora avait été la maîtresse de Georges Bataille avant d'imaginer d'angoissantes photographies surréalistes et de produire de magnifiques portraits, des reportages ou des images de mode. Elle fut l'amante et la muse de Picasso pendant sept ans, et finit par devenir l'une des figures les plus complexes de son panthéon personnel. Tenant la chronique de leur liaison, Dora Maar photographiait Picasso au quotidien en compagnie de Breton, d'Eluard, de Man Ray ou de Jacqueline Lamba. On lui doit ainsi un témoignage unique sur la genèse de Guernica, cri d'indignation et manifeste politique de Picasso contre les atrocités de la guerre d'Espagne. Elle y apparaît d'ailleurs dans le personnage de la femme à la torche, avant de devenir la « Femme qui pleure », image exemplaire pour Picasso de sa passion comme des angoisses et des soutes qui l'assaillaient. Cet ouvrage est la première mongraphie consacrée en France à Dora Maar, figure légendaire de la scène artistique française, qui inspira à Picasso quelques-uns de ses plus grands chefs-d'œuvre. Mary Ann Caws s'attache ici à résoudre l'énigme de cet étrange destin, en restituant le fil d'une existence qui s'étendit sur quatre-vingt-dix années. Derrière le mythe se dessine alors le trajet d'une femme fascinante, et le parcours d'une artiste singulière, aux talents multiples, dont on pourra enfin mesurer l'importance. MARY ANN CAWS, qui enseigne à l'université de New York, est une spécialiste reconnue du surréalisme. On lui doit de nombreux ouvrages sur l'art, la poésie et la littérature. Egalement aux Editions Thames & Hudson: Picasso de Tim Hilton Collection L'Univers de l'art • 288 pages • ISBN-13 : 978-2-87811-108-8 • 14,95 € Les Vies de Lee Miller Antony Penrose Volume broché, avec rabats 22 x 27,5 cm 216 pasges 171 illustrations ISBN-13 : 978-2-87811-286-3 Prix : 32 € « Un livre magnifique. » L'Express New York, 1927 : jeune femme à la beauté classique, Lee Miller est découverte par Condé Nast, fait la couverture de Vogue et se voit immortalisée par les plus grands photographes, dont Steichen, Hoyningen-Huene et Horst. Paris, 1929 : amie d’Eluard et de Picasso, élève et compagne de Man Ray, elle invente avec lui la technique photographique de la solarisation, devient une brillante photo-graphe surréaliste et joue le rôle de la statue dans Le Sang d’un poète de Jean Cocteau. Europe, 1944-1945 : correspondante de guerre pour le magazine Vogue, elle est la seule femme à suivre l’avancée des armées alliées, des plages de Normandie aux camps de la mort et au « nid d’aigle » d’Adolf Hitler en Bavière. Ses photographies de Dachau bouleversent le monde entier. Ce ne sont là que trois des nombreuses vies de Lee Miller, relatées ici par son fils Antony Penrose, né de son union avec le peintre surréaliste Roland Penrose. De cette héroïne stendhalienne aussi étonnamment belle qu’intrépide, de cette troublante voyageuse, le photographe David Sherman disait qu’elle « incarna au plus près la nouvelle femme du milieu du XXe siècle ». Riche de 171 illustrations en duotone – une sélection de ses plus belles photographies et de portraits signés par les plus grands photographes –, ce livre retrace le parcours éminemment romanes-que de celle qui fut, à coup sûr, l’une des femmes les plus extraordinaires de son temps. Retour
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